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올해 읽은 중 가장 인상적이었던 소설들


올해의 책읽기 중에 가장 모험적인 시도였다면 연초에 시도한 ‘롤리타 원서로 읽기’였다. 소설의 원작자인 블라디미르 나보코프는 러시아 국적이었지만 귀족 명문가에서 태어난 천재인지라 여러 나라 언어에 능숙하였으며, 이 소설을 쓸 때 그는 모국어인 러시아어대신에 영어를 사용하였다. 하지만 네이티브가 쓴 영어소설이 아니라고 결코 만만히 볼 것이 아니었다. (물론 영어실력 부족이 가장 큰 원인이겠지만) 개인적으로는 이 소설을 읽으며 나보코프가 사용한 수많은 은유와 현학적인 단어 등으로 인해 – 어릴적 한국어로 이미 읽었음에도 불구하고 – 한 문단 한 문단을 힘겹게 타고 올라야만 했다. 그런 시도 끝에 완독에 성공했음에도 – 또는 그러하였기에 – 만족감은 기대 이상이었다.

예를 들어 주인공인 험버트 험버트가 롤리타와 묵었던 여관에서 정체모를 남자와 나눴던 대화에서 험버트의 머릿속에 잠재하고 있던 죄책감이 대화 속에서의 언어적 유희로 표현되던 상황은 영어가 아니고서는 쉽게 이해될 수 없는 상황이었고, 소설의 곳곳에 배치되어 있는 이런 가느다란 감정의 뉘앙스는 영어로 읽어야 비로소 이해할 수 있었을 것이기 때문이다. 소아성애라는 비뚤어진 여성 혐오적 욕망을 관능적이고 현학적으로 풀어낸 탓에 – 또는 덕분에 – 아직도 이 소설의 제목과 캐릭터는 유사한 사회적 현상을 묘사하는데 가장 손쉽게 쓰이는 상징이 되었고, 소설 그 자체의 매력을 감상하기 위해서나 또는 그 욕망의 사회학을 이해하기 위해서는 한번쯤 읽어야할 소설이라고 생각한다.


롤리타가 힘겨운 고산등반이었다면 요코미조 세이시의 옥문도(獄門島) 읽기는 가벼운 트래킹이라 할 수 있었다. 영국에 셜록 홈즈가 소설 속에 등장하는 사설탐정의 전범이라면 일본은 바로 요코미조 세이시가 창조해낸 긴다이치 코스케(金田一耕助)라 할 수 있다.1 1947년 처음 연재되기 시작했다는 이 소설은 역시 긴다이치가 등장하는 요코미조의 다른 소설에 비교할 때에 – 적어도 내가 읽은 중에서는 – 가장 미스터리로서의 매력이 강하고 이 매력이 하이쿠 등 일본 고유의 문화와 잘 융합되어 있는 작품이라 할 수 있다. 또한 긴다이치 코스케의 다소 엉뚱한 캐릭터 설정과 뛰어난 건축물을 보는 듯한 주변 캐릭터 설정의 기하학적 배치가 훌륭하게 결합되어 있다는 점도 이 작품의 매력이다.

소설은 긴다이치가 동료군인이었던 한 명문가의 장남이 죽음을 맞이하며 했던 부탁을 들어주러 “지옥의 문”이라는 끔찍한 이름의 섬에 찾아가면서 겪는 사건을 그리고 있다. 이 소설의 매력은 섬으로 향하는 배에서부터 시작한다. 요코미조는 이때부터 등장하는 어느 조연 하나도 낭비하지 않고 저마다의 역할을 정확히 배치하여 활용한다. 하다못해 섬으로 싣고 가는 절의 종(鐘)에도 역할이 배당되어 있다. 그리고 이후 발생하는 살인사건은 각각의 하이쿠의 대응하는 모양새를 띤다.2 소설의 또 하나의 매력은 그 살인의 배경에 거대하게 자리 잡고 있는 섬의 폐쇄성, 그리고 더 매크로하게 일본이라는 섬이 지니고 있는 폐쇄성과 봉건성을 비판하고 있다는 점이다. 재미와 메시지를 함께 지닌 작품.


지난 11월 말 교토(京都)를 여행했다. 그래서 가기 전에 참고용으로 고른 소설이 미시마 유키오의 ‘금각사’였다.3 1956년 출판된 이 소설은 하야시 쇼켄이라는 절의 도제가 1950년 실제로 금박으로 덮여 있던 누각을 불태워버렸던 충격적인 사건을 소재로 하고 있다.4 작가는 소설을 쓰기위해 5년간 자료조사를 할 만큼 치밀하게 작품 준비를 했다고 한다. 그리하여 현실의 하야시 쇼켄은 소설 속에서 말더듬과 부모에 대한 원망으로 열등감에 젖어있는 미조구치로 재탄생한다. 미조구치는 어쩌면 하야시 쇼켄과 당시 여러 내적 갈등을 겪고 있던 미시마 유키오 자신이 뒤섞여 있는 캐릭터라 할 수 있다. 그래서 읽다보면 ‘미시마 스스로가 먼저 금각사를 태워버리지 못해서 이 소설을 쓴 게 아닐까’하는 의문이 들 정도다.

미시마 유키오가 “이상한 에로티즘을 구사”한다는 평이 있는데 이 소설 역시 그런 이상한 에로티즘이 잘 묘사됐다는 점에서 시사소설인 동시에 작가의 뇌내망상과 상상력의 재창조물이라 할 수 있다. 미조구치는 임신부의 배를 걷어차며 쾌감을 느끼고 여러 에로틱한 상황에서 금각사의 환영을 중첩되며 성적환상에 시달린다. 이런 면에서 방화는 명백히 미조구치의 오르가즘과 연결되어 있고, 먼 훗날 미시마 유키오 스스로가 자행하는 자살극에서 느꼈을 오르가즘과 연결되어 있다. 금각사라는 미(美)는 파괴해야만 영속한다는 모순된 강박은 “인간이 잔인해지는 순간은 단말마의 신음을 볼 때가 아니라 나뭇가지 사이로 스며드는 햇살이 비치는 모습을 바라보고 있을 때”라는 작중인물의 대화에서도 엿볼 수 있다.

  1. 유명한 추리만화 ‘소년탐정 김전일’에서 김전일이 긴다이치 코스케의 손자로 설정되어있다
  2. 마치 아가사 크리스티의 ‘그리고 아무도 없었다’에서 피해자들이 ‘10명의 어린 인디언’이란 시에서 묘사한 상황처럼 살해당하는 것처럼 말이다
  3. 여행 일정이 어긋나는 바람에 정작 교토에서는 들르지도 못했다는 것은 눈물 포인트
  4. 그래서 지금 세워져 있는 누각은 그 이후 재건된 것이다

Low in High School

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By Morrissey – Pitchfork Media, CC BY-SA 4.0, Link

Morrissey가 통산 11번째 솔로앨범을 냈다. Paul Weller나 David Byrne과 같은 다른 거물들 이외에 수퍼밴드의 프론트맨을 떠난 이후 이만큼 솔로 작업을 많이 한 이가 또 있을까 하는 생각도 들만큼 나름 다작의 뮤지션이다. 앨범을 내는 주기도 2~3년에 한 개씩 낼만큼 – 가장 인터벌이 길었던 것은 1997년 Maladjusted와 2004년 You Are The Quarry 사이의 7년 – 성실하다.

신작은 여태의 Morrissey의 다른 앨범이 그렇듯 도발적이다. 일단 앨범 커버가 도발적이다. 갓 10대가 넘었을 듯한 소년이 도끼를 들고 있는 사진이 커버를 장식하는 바람에 HMV를 포한한 몇몇 소매업자가 처음에는 디스플레이를 거절했다는 소문도 있다(HMV는 이 의혹을 부인했다.) 멜로디에 담긴 가사도 도발적이다. The Smiths 시절의 그런 촌철살인에는 못 미치지만 특유의 냉소는 여전하다.

Stop watching the news!
Because the news contrives to frighten you
To make you feel small and alone
To make you feel that your mind isn’t your own
“Spent the Day in Bed” 중에서

The Smiths 시절의 히트곡 Panic을 연상시키는 – Burn down the disco! Hang the blessed DJ! – 이런 가사를 비롯하여 많은 가사들이 부조리한 현실을 노래하고 있다. 특히 이색적인 것은 그간 정치적 이슈에 대해 노골적으로 이야기하지 않던 그의 이력과 달리 Who Will Protect Us from the Police? 나 Israel과 같은 곡에서는 베네수엘라와 이스라엘 상황을 노래하고 있다.

한편 음악적으로는 여태의 앨범에 비교할 때 “가장 모험적인 시도를 한 앨범”이라는 것이 평이 있는가 하면 “나쁘진 않지만 여태의 팬 층에서 크게 벗어나지 않은” 앨범이라는 평도 있다. 평은 그래서인지 엇갈린다. 둘 다 맞는 말일지도 모른다. 어느 평론가의 말마따나 “전형적인 모리씨 앨범(Standard Morrissey Album)이다. 그렇기에 팬들은 즐겁고 그를 잘 모르는 이는 ‘아 그런가’하고 지나가면 될 일이다.

만화 캐릭터로 만나는 80년대 팝아이돌

웹서핑하다가 만난 페이지인데 80년대 팝아이돌을 만화로 그려놓은 여러 이미지가 올라와 있어 공유합니다. 가만 보면 어릴 적 즐겨 보던 뮤직라이프 – 일본 팝잡지를 베낀 잡지였죠 – 에서 보던 친숙한 이미지들이 많아요. Peter Burns, Martin Fry, Boy George, Duran Duran, Wham!, Japan, Hanoi Rocks 등이 눈에 띄네요

[번역] 40년이 지난 후, Talking Heads의 가장 가치 있는 멤버는 여전히 가장 낮게 평가받고 있다

Tina Weymouth of Talking Heads.jpg
By Jean-Luc – originally posted to Flickr as Talking Heads, CC BY-SA 2.0, Link

Carrie Courogen(원문 보기)

당신이 토킹헤즈의 대표곡들을 들을 때면 그 음악에는 하나의 두드러진 공통점이 있다. : 티나 웨이마우스(Tina Weymouth)의 훵키하고 멜로디 넘치는 베이스라인. 그가 없었다면 “Psycho Killer”나 “Burning Down The House”, 그리고 “Once in a Lifetime”이 없었을 것이다. 즉시 알아들을 수 있는 그루부는 곡의 가사가 사라지는 순간에도 우리의 뇌 속에 스며들어 있다. Jay-Z에서부터 최근에는 셀레나 고메즈(Selena Gomez)에 이르기까지 계속 샘플로 사용되고 다시 수면위로 떠올랐던 것은 웨이마우스의 베이스라인이지만 이것들을 창작해낸 그의 역할은 아직까지 거의 논의되고 있지 않다.

웨이마우스의 기념비적인 “Psycho Killer”의 리프에 기초해서 만든 고메즈의 “Bad Liar”가 발매되자마자 평론가들은 데이빗 번(David Byrne)이 그 영향력있는 샘플에 기여한 바가 없음에도 불구하고 그의 공식적인 승인에 초점을 맞추었다. 카리스마 넘치는 프론트맨을 뒷받침했던 여성이 종종 그러했던 것처럼 웨이마우스에 대한 평가 역시 일종의 부가적인 영역이었다.

66살의 웨이마우스 또한 명성을 추구하지 않는다. “난 그런 것에 대해 내 자신이 별로 개의치 않는다고 생각해요. 내가 그렇다는 것을 알고 있죠.” PAPER와의 전화 인터뷰에서 웨이마우스가 한 발언이다. “난 여전이 여기 있고 내 할 일을 해요. 결론적으로는 그게 진정한 모든 것이라고 생각해요. 사람들이 당신을 어떻게 인식하는가가 아니라요.”

최근의 인터뷰에서 토킹헤즈의 드러머인 (그리고 웨이마우스의 남편) 크리스 프란츠(Chris Frantz)는 “토킹헤즈에서 티나 웨이마우스가 없었더라면 우리는 그저 또 다른 어떤 밴드였을 것”이라고 말했다. 그래서 왜 그가 그렇게나 중요한 역할을 했던 어떤 밴드의 유산에서 그는 서서히 배제된 것처럼 보이는 것일까?

평론가들은 종종 웨이마우스가 킴 고든(Kim Gordon)에서 에스터 하임(Este Haim)에 이르기까지 많은 여성 베이스 연주자들에게 영향을 미쳤다고 언급하곤 한다. 그러나 다른 더 많은 이들에게는 아니다. 사람들은 그가 (프란츠와 함께) 번의 난해한 아이디어를 리듬 섹션의 범위 내에서 캐치하고 상징적인 팝뮤직으로 변환하는 비법을 발견했다는 사실에도 불구하고 그의 프로파일을 심도 있게 적지 않는다.

그의 베이스라인은 밴드의 맥박이 되고 다운타운 펑크를 새로운 어떤 사운드로 만들어냈다. : 팔리아먼츠(Parliament)와 제임스 브라운(James Brown)의 쏘울이 넘치고 훵키한 즉흥곡과 캐롤 케이(Carol Kaye)의 견실한 락음악의 춤추기 쉬운 컴비네이션. 이 사운드는 확실하게 쭉 뻗어나가는 멜로딕 훵크에서 아프리카에 영향받은 복합적인 리틈의 댄스 음악에 기초한 날카로운 그루브에 이르기까지의 넓은 스펙트럼을 커버했다. – 그와 프란츠가 후에 그들의 영향력있는 그룹 Tom Tom Club으로 개발했던 그 사운드.

그러나 웨이마우스에 대해 쓸 때에 그는 기껏해야 유머 감각 없이 잔소리가 심한 여자에서 심지어 번에 초점을 맞춘 이들에 의해 “락의 레이디 맥베쓰”에 이르기까지 다양하게 묘사되면서도 그의 음악가적 기질은 무시되어 왔다. 이러한 수사는 드문 것이 아니다. – 단지 그들이 창출하는데 기여했던 역사로부터 지워지고 있는 여성 아티스트들의 더 커다란 문제의 징후에 불과하다. 그들은 자주 흑과 백의 극단적인 개성으로 묘사되곤 하고, 그들의 성별(gender)이 언급되고 – 여성임에도 불구하고 재능 있는 – 혹은 남성 평론가들의 렌즈를 통해 철저한 관찰된 중에 제대로 형성된 남성 동료들의 그늘 속의 배역으로 정의된다.

데이빗 바우맨(David Bowman)의 2002년 전기 This Must Be The Place : The Adventure of Talking Heads in the 20th Century를 보자. 그는 번을 이 이야기에서 겸손하고 친근한 주창자(protagonist)이자 진정한 영웅으로 묘사하면 반면, 웨이마우스를 묘사하길 적대자(antagonist), “다소 예민한”, “카톨릭 성인의 분위기가 나는, 또는 비극적으로 다리를 저는 프리마 발레리나. 또는 앤디 워홀을 저격했던 발레리 솔라니스(Valerie Solanis).”1 이 정도는 바우먼이 친절한 것이다. 나중에 그는 그를 “로체스터(Rochester)의 아내, 미친 인간”으로 비유하고 그의 기억들을 “유해하다”고 규정했다.

평론가들은 종종 디테일을 대충 묘사한다. 번이 밴드에서의 그의 역할을 위해 그를 세 번 오디션했다고 한다. – 다른 멤버들에게는 요구하지 않았던 것. 2015년의 다큐멘터리 Girls in Bands에서 그는 번이 그에게 “여성에게 위험한 곳이기에 이 큰 세상에서 진정한 여성의 역할은 없다”고 말했다고 회상했다.

일이 꼬일 때마다 번은 웨이마우스를 탓했다. “데이빗이 불안해할 때마다 내가 그의 괴롭힘 대상이었다. 그가 일이 잘 안 풀릴 때마다 그에 대해 날 괴롭히곤 했어요. 내내 내겐 고통이었죠.” 그는 바우먼에게 자세히 이야기했다.

그럼에도 불구하고 아마도 티나 웨이마우스는 그가 대체로 그의 다른 여성 등료들과 다르게 그렇게 확신을 주는 인물이 아니어서 충분한 신뢰를 얻지 못했을지도 모른다. “나는 내가 잘 해낸 것, 음악을 연주하는 것의 더 이상을 능가하고 싶지 않아요.” 1979년 Creem에서 그가 한 말이다. “난 여성임을 이용하지 않았는데 그런 것들을 아껴두는 편이 더 낫기 때문이죠.”

그는 임신 중에도 토킹헤즈의 공격적인 세계 공연에 따라나섰던 여성이고, 진통 중에도 베이스 트랙을 녹음했다. 데이빗 번의 그늘에서 라이브를 하는 것과 같은 거친 진실 앞에서 물러서지 않았던 여성이다. : “몇 해 동안” 로스엔젤레스타임스에 그가 한 말이다. “사람들은 내게 데이빗에 대해서만 물어봤고, 난 대답을 잘 했었죠.”

그는 가혹하도록 충성을 했고 대단히 신뢰할 만 했으나 팡파레를 원하지 않았다. 밴드를 하는 것은 프란츠의 꿈이었다. 그가 도쿄의 레드불뮤직아카데미(Red Bull Music Academy)에서의 2014년 강연에서 회고하길 그는 거의 2년 동안 베이스 주자를 찾아 헤맸다. 결국 아무도 나서지 않았고 웨이마우스는 밖에 나가서 거의 그만큼 큰 베이스를 사왔다. 그리고 밴드에 끼어들었다.

“밴드가 첫 라이브를 할 때까지 난 단지 5개월 동안 베이스를 연주했어요.” 같은 강연에서 그가 설명했다. “난 정말 펑크였던 셈이죠. 철저한 독학자였어요. 수업을 듣지도 않았죠. 아무도 어떻게 연주하는지 가르쳐주지 않았어요.”

그는 구멍을 발견하고 어떻게 다른 사람의 요구를 충족시켜줄 수 있는지를 알고 있었다. 여성들이 몇 세기동안 보답을 바라지 않고 해온 일이다. 밴드 멤버들이 그들의 초기 시절을 회상할 때 그들은 그가 번과 프란츠와 함께 온방이나 목욕탕도 없는 상업용 다락에서 살며, 그들에게 음식을 만들어주고, 머리를 잘라주고, 공연장까지 운전을 해주고, 베이스 주자와 로드 매니저라는 이중의 역할을 수행했다고 회고한다.

티나 웨이마우스는 선구자였고 그 영향력은 특히나 여성들에게 오늘날까지 지속적으로 남아있다. 그는 그만의 길을 지치지 않고 나아가고 있고, 프란츠와 새 음악을 만드는 와중에 멘토역을 하거나 더 젊은 아티스트들과 협업하는 것을 멈추지 않는다.

“돌이켜보면 좋았던 것 하나는 내가 여성이어서 겪었던 문제에 대해 한번도 이야기하지 않은 것이에요.” 1981년 The Face에서 그가 한 말이다. “나는 똑 같은 아이디어를 가지고 있는 다른 이들을 의기소침하게 하고 싶지 않았어요. 난 그 길이 오르막을 오르는 수레처럼 보이게 하고 싶지 않았어요. 실제론 그랬지만요.”
여성은 때로 자신만의 이야기를 가지고 있어야 한다. 비록 웨이마우스가 스스로 주목받는 것이나 여성으로서의 시도에 대해 말하기를 꺼려했던 것이 상황을 복잡하게 하긴 했지만 말이다. 이것은 일종의 캐치22(catch-22)다. “나는 언제나 페미니스트였어요.” PAPER에서 그가 한 말이다. “난 단지 언제나 그 질문을 받는 것이 싫었어요. 그건 나를 ‘날 바라볼 때 생각나는 것이 그게 다에요? 여성으로서? 날 아티스트로 보지 않아요? 날 뮤지션으로 보지 않아요?’라는 질문에 가두는 것이에요.”

침묵을 지키는 것은 제자들이 그를 베끼는 것을 두려워하지 않는다는 것을 의미한다. 그러나 이는 또한 그를 또 하나의 미스터리로 만든다. 그래서 그 앞에 지나갔던 많은 여성들처럼, 그 역시도 편견에 사로잡힌 비평가들의 투사와 남성들의 속 좁은 생각을, 그의 영향력이 단지 하나의 주석으로 축소되는 것을 참아왔다. 늘 그랬으니까.(Same as it ever was)

  1. 미국의 급진적 여성주의자. 앤디 워홀 미수사건의 범인으로 유명하다.

World Be Gone

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By Source (WP:NFCC#4), Fair use, Link

Erasure가 통산 열일곱 번째로 내놓은 스튜디오 앨범 World Be Gone이 2017년 5월 19일 영국에서 Mute 레코드사를 통해 발매됐다. 총 10곡이 수록된 이 앨범은 올뮤직으로부터 별 다섯 개 중 별 세 개 반, 파이낸셜타임스로부터 별 다섯 개 중 네 개, Newsday로부터 A, 워싱턴포스트로부터 “긍정적”이라는 평가를 받는 등 대체로 평론가들로부터 호의적인 평가를 받고 있다. 2016년에 녹음된 이 앨범의 프로듀싱은 Erasure와 Matty Green이 맡았다. Andy Bell은 급변하는 현대의 정치 환경이 이 앨범 제작에 영향을 줬다고 말했다. 그는 “사람들이 점차 깨어나고 있어요. 사람들이 이 앨범을 긍정적인 방식으로 받아들였으면 좋겠어요.”라고 말했다. 예를 들어 앨범 수록곡의 중간에 자리 잡은 “Still It’s Not Over”는 각국에서 공격받고 있는 동성애자의 권리에 관해 가스펠 풍으로 노래하고 있다.(멀리 갈 것도 없이 우리나라에서도 이런 비극이 현재진행형이다) 어쨌든 Erasure는 이 노래에서도 “The universe is big enough and there’s room for the two of us”라고 읊조리며 희망을 노래하고 있다. 앨범의 대미를 장식하는 10번째 트랙 “Just a Little Love”는 제목에서 알 수 있는 것처럼 그럼에도 더 서로 사랑해야 한다는 메시지를 담은 빠른 템포의 곡으로, 개인적으로는 80년대의 Erasure에 가장 가까운 곡이라 여겨지는 곡이다.

1. “Love You to the Sky”
2. “Be Careful What You Wish For!”
3. “World Be Gone
4. “A Bitter Parting”
5. “Still It’s Not Over”
6. “Take Me Out of Myself”
7. “Sweet Summer Loving”
8. “Oh What a World”
9. “Lousy Sum of Nothing”
10. “Just a Little Love”

The Stone Roses 武道館 公演 2017.4.22

‘살면서 언젠가 한번은 보고 싶다’란 생각했던 여러 콘서트 – 토킹헤즈 등등 – 중 하나를 이번에 도쿄 무도관에서 보게 됐다. 2017년 4월 22일 있었던 The Stone Roses의 콘서트. 작년에 계획됐었던 콘서트였고 티켓까지 구입해서 우편으로 받았지만, 불의의 사고로 – 유력한 설이 드러머 Reni의 부상설 – 콘서트가 취소됐다. 거기에다 열 받았던 게 티켓을 내 돈으로 다시 일본에 반송시켜야 환불을 받을 수 있었다는 사실. 암튼 그때는 그래서 돌장미 콘서트 대신에 새질서 콘서트로 슬픔을 달래야 했다.

이번에는 ‘다시 공연이 취소되진 않겠지’라고 마음을 다잡았지만, 일본에서 공연을 할 예정이었던 Echo & The Bunnymen의 프론트맨 이언 맥컬록이 – 아마도 점증되는 한반도의 전쟁 위기에 대한 공포 때문에 – 공연을 펑크 내고 도망가는 장면이 공연에서 목격됐다는 트윗을 보고 ‘아니 이거 다시 악몽의 재연이??’라는 불안감이 엄습해왔다. 그래서 금요일 출발의 일정에도 혹시 결항에 대비해 금요일 공연이 아닌 토요일 공연 티켓을 – 이틀간의 공연이었다 – 구매하는 등 만전을 기했다.

공연장은 일본에서 가장 유명한 공연장의 하나인 부도칸(武道館). 건물 이름대로 무도대회가 자주 열리는 곳인지라 벽보에도 각종 무도대회의 포스터가 많이 걸려있었지만 – 그리고 무대 상단에는 일장기가 – , 뮤직러버에겐 역시 음악공연으로 유명한 장소일 뿐이었다. 4시 입장인데 3시쯤 도착했을 때에도 이미 많은 팬들이 몰려들어 기념품을 구입하고 공연을 알리는 플래카드 앞에서 기념촬영을 하고 있었다. 단 두 장의 정규앨범을 낸 80년대 밴드가 이 정도의 관중동원력이 있다는 것, 역시 아이콘은 아이콘이었다.

다섯 시로 예정된 공연은 다섯 시 십오 분쯤 시작됐다. 이러저러한 구차한 멘트 없이 바로 I Wanna Be Adored로 시작된 공연은 중간 중간의 짧은 일어를 섞은 Ian의 감사인사를 제외하고는 한 시간 반 가량을 – 멤버 소개도 없이 앵콜도 없이 – 1집 위주에 2집의 수록곡을 간간히 섞어 성실하게 공연해주었다. John Squire는 팬들의 “존~조~온~”의 애절함 부름에도 아랑곳하지 않고 묵묵하게 신발만 보며 연주해서 – 딱 한번 엄지를 척 들어줬다 – 슈게이징의 원로다운 무대매너를 보여주었다.

뭐 팬들의 입장에서야 노래를 엑기스로 불러주는 만큼 더 좋은 선물이 어디 있겠는가? – 그런데 거기에다 Ian은 공연 초반 흔들던 막대 탬버린을 앞좌석에 던져주더니 이후로도 한 대여섯 개는 더 던져주고 Reni는 공연 후 드럼스틱과 입었던 조끼를 던져주는 왕대박 선물을 – 암튼, 이십대로 보이는 이들부터 오십대 이후로 보이는 이들까지 세대를 초월해서 돌장미의 노래에 환호한 공연이었고, Made of Stone에서는 일본 공연에서는 흔치 않았을 것 같은 떼창 장면까지 연출하였다.

여담으로 내 왼쪽에 서있던 – 좌석제였으나 공연 시작하자마자 모두 일어나 자리에 앉질 알았다 – 이십대 초반으로 보이는 날카로운 인상의 청년은 좀 크리피했는데 모두들 춤을 추며 공연을 즐기는 와중에 묵묵히 서 있다가 돌장미 2집 수록곡을 연주할 때만 아이폰을 들어 비디오를 찍곤 했는데 그마저도 살짝 보니까 John만 줌인하여 찍고 있었다. 오다쿠는 장르도 매우 스페시픽하다곤 하는데 그의 장르는 아마도 돌장미 2집의 John 의 기타 연주가 아니었을까 하는 짐작을 해본다.

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드디어 왔다


기념촬영하는 팬들


돌장미 등장


공연


Ian 의 막춤


John? Jesus?