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World Be Gone

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Erasure가 통산 열일곱 번째로 내놓은 스튜디오 앨범 World Be Gone이 2017년 5월 19일 영국에서 Mute 레코드사를 통해 발매됐다. 총 10곡이 수록된 이 앨범은 올뮤직으로부터 별 다섯 개 중 별 세 개 반, 파이낸셜타임스로부터 별 다섯 개 중 네 개, Newsday로부터 A, 워싱턴포스트로부터 “긍정적”이라는 평가를 받는 등 대체로 평론가들로부터 호의적인 평가를 받고 있다. 2016년에 녹음된 이 앨범의 프로듀싱은 Erasure와 Matty Green이 맡았다. Andy Bell은 급변하는 현대의 정치 환경이 이 앨범 제작에 영향을 줬다고 말했다. 그는 “사람들이 점차 깨어나고 있어요. 사람들이 이 앨범을 긍정적인 방식으로 받아들였으면 좋겠어요.”라고 말했다. 예를 들어 앨범 수록곡의 중간에 자리 잡은 “Still It’s Not Over”는 각국에서 공격받고 있는 동성애자의 권리에 관해 가스펠 풍으로 노래하고 있다.(멀리 갈 것도 없이 우리나라에서도 이런 비극이 현재진행형이다) 어쨌든 Erasure는 이 노래에서도 “The universe is big enough and there’s room for the two of us”라고 읊조리며 희망을 노래하고 있다. 앨범의 대미를 장식하는 10번째 트랙 “Just a Little Love”는 제목에서 알 수 있는 것처럼 그럼에도 더 서로 사랑해야 한다는 메시지를 담은 빠른 템포의 곡으로, 개인적으로는 80년대의 Erasure에 가장 가까운 곡이라 여겨지는 곡이다.

1. “Love You to the Sky”
2. “Be Careful What You Wish For!”
3. “World Be Gone
4. “A Bitter Parting”
5. “Still It’s Not Over”
6. “Take Me Out of Myself”
7. “Sweet Summer Loving”
8. “Oh What a World”
9. “Lousy Sum of Nothing”
10. “Just a Little Love”

The Stone Roses 武道館 公演 2017.4.22

‘살면서 언젠가 한번은 보고 싶다’란 생각했던 여러 콘서트 – 토킹헤즈 등등 – 중 하나를 이번에 도쿄 무도관에서 보게 됐다. 2017년 4월 22일 있었던 The Stone Roses의 콘서트. 작년에 계획됐었던 콘서트였고 티켓까지 구입해서 우편으로 받았지만, 불의의 사고로 – 유력한 설이 드러머 Reni의 부상설 – 콘서트가 취소됐다. 거기에다 열 받았던 게 티켓을 내 돈으로 다시 일본에 반송시켜야 환불을 받을 수 있었다는 사실. 암튼 그때는 그래서 돌장미 콘서트 대신에 새질서 콘서트로 슬픔을 달래야 했다.

이번에는 ‘다시 공연이 취소되진 않겠지’라고 마음을 다잡았지만, 일본에서 공연을 할 예정이었던 Echo & The Bunnymen의 프론트맨 이언 맥컬록이 – 아마도 점증되는 한반도의 전쟁 위기에 대한 공포 때문에 – 공연을 펑크 내고 도망가는 장면이 공연에서 목격됐다는 트윗을 보고 ‘아니 이거 다시 악몽의 재연이??’라는 불안감이 엄습해왔다. 그래서 금요일 출발의 일정에도 혹시 결항에 대비해 금요일 공연이 아닌 토요일 공연 티켓을 – 이틀간의 공연이었다 – 구매하는 등 만전을 기했다.

공연장은 일본에서 가장 유명한 공연장의 하나인 부도칸(武道館). 건물 이름대로 무도대회가 자주 열리는 곳인지라 벽보에도 각종 무도대회의 포스터가 많이 걸려있었지만 – 그리고 무대 상단에는 일장기가 – , 뮤직러버에겐 역시 음악공연으로 유명한 장소일 뿐이었다. 4시 입장인데 3시쯤 도착했을 때에도 이미 많은 팬들이 몰려들어 기념품을 구입하고 공연을 알리는 플래카드 앞에서 기념촬영을 하고 있었다. 단 두 장의 정규앨범을 낸 80년대 밴드가 이 정도의 관중동원력이 있다는 것, 역시 아이콘은 아이콘이었다.

다섯 시로 예정된 공연은 다섯 시 십오 분쯤 시작됐다. 이러저러한 구차한 멘트 없이 바로 I Wanna Be Adored로 시작된 공연은 중간 중간의 짧은 일어를 섞은 Ian의 감사인사를 제외하고는 한 시간 반 가량을 – 멤버 소개도 없이 앵콜도 없이 – 1집 위주에 2집의 수록곡을 간간히 섞어 성실하게 공연해주었다. John Squire는 팬들의 “존~조~온~”의 애절함 부름에도 아랑곳하지 않고 묵묵하게 신발만 보며 연주해서 – 딱 한번 엄지를 척 들어줬다 – 슈게이징의 원로다운 무대매너를 보여주었다.

뭐 팬들의 입장에서야 노래를 엑기스로 불러주는 만큼 더 좋은 선물이 어디 있겠는가? – 그런데 거기에다 Ian은 공연 초반 흔들던 막대 탬버린을 앞좌석에 던져주더니 이후로도 한 대여섯 개는 더 던져주고 Reni는 공연 후 드럼스틱과 입었던 조끼를 던져주는 왕대박 선물을 – 암튼, 이십대로 보이는 이들부터 오십대 이후로 보이는 이들까지 세대를 초월해서 돌장미의 노래에 환호한 공연이었고, Made of Stone에서는 일본 공연에서는 흔치 않았을 것 같은 떼창 장면까지 연출하였다.

여담으로 내 왼쪽에 서있던 – 좌석제였으나 공연 시작하자마자 모두 일어나 자리에 앉질 알았다 – 이십대 초반으로 보이는 날카로운 인상의 청년은 좀 크리피했는데 모두들 춤을 추며 공연을 즐기는 와중에 묵묵히 서 있다가 돌장미 2집 수록곡을 연주할 때만 아이폰을 들어 비디오를 찍곤 했는데 그마저도 살짝 보니까 John만 줌인하여 찍고 있었다. 오다쿠는 장르도 매우 스페시픽하다곤 하는데 그의 장르는 아마도 돌장미 2집의 John 의 기타 연주가 아니었을까 하는 짐작을 해본다.

셋리스트 보기


드디어 왔다


기념촬영하는 팬들


돌장미 등장


공연


Ian 의 막춤


John? Jesus?

My Life in the Bush of Ghosts

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어제와 오늘 My Life in the Bush of Ghosts를 감상했다. 이 앨범은 어릴 적 소위 “빽판”으로 가지고 있었으나 앨범 전곡을 감상했던 기억은 없다. 앨범의 앞의 몇 곡만 듣고 레코드 장에 처박아두었던 기억이 난다. 당시에는 Talking Heads 유의 뉴웨이브 음악을 기대하고 샀던 터라 어린 마음에 아랍 풍의 연주곡이 지루했거나 당황스러웠던 모양이다.

Brian Eno와 David Byrne이 Talking Heads는 그대로 남겨둔 채 공동 작업을 통해 완성한 이 앨범의 제목은 Amos Tutuola라는 작가의 1954년 소설의 제목에서 따왔다고 한다. 소설은 읽어본 적 없지만, 어쨌든 수록곡들은 앨범 제목과 얼추 비슷한 분위기로 몽환적이고 이국적이다. 가사가 있는 곡도 있지만, 특별히 가사에 깊은 의미를 둔 것 같지는 않다. Eno의 Ambient 시리즈만큼 철저히 미니멀리즘적이지는 않지만, 가사 역시 연주의 한 부분을 차지하는 의미를 가지는 듯하다.

한편, 녹음 작업은 주로 Fear of Music(1979)의 순회공연과 Remain in Light(1980)의 녹음 사이에 진행됐다고 한다. 출시는 다소 지연됐는데 앨범에 쓰인 많은 샘플들의 지적재산권을 해결하는데 시일이 소요됐기 때문이라고 한다. 여하튼 앨범은 1982년 출시되었고 출시 당시에는 다양한 비평이 있었지만, 시간이 지나면서 “일렉트로닉과 앰비언스, 그리고 제3세계 음악이 연결된 무정형 스타일의 선구적인 작업”이라는 평가를 받으며 명반으로 자리매김했다. Eno 스스로는 이 앨범을 “싸이키델릭 아프리카의 영상”이라고 표현했다고 한다.

영화 Footloose 중에서

FootloosePoster.jpg
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“너 Men At Work좋아해?’
“어떤 사람들?”
“Men At Work”
“어디서 일하는데?”
“아니 음악 그룹 말야.”
“자기네가 그렇게 불러?”
“오~ 노! 그럼 The Police는?”
“걔들이 뭐?”
“들어봤어?”
“아니. 근데 보긴 했어.”
“그래? 콘서트에서?”
“아니 우리 뒤에서.”
“빌어먹을!”

영화 Footloose 중에서

井上陽水 – 氷の世界


(이미지 출처)

내가 이노우에 요스이(井上陽水)를 처음 접한 것은 어릴 적 구입했던 일본 음악 불법복사 – 당시엔 일본 음악이 전부 불법이었으니까 – 카셋테잎의 목록에 있던 Hotel Riverside에서 였다. 그 다음으로 그를 접한 것은 세월이 좀 많이 흘러 安全地帶의 타마키 코지(玉置浩二)와 함께 부른 듀엣곡 ‘夏の終りのハーモニー(여름의 끝자락의 하모니)’에서다. 그래서 앞서의 노래에서 느꼈던 ‘전형적인 일본 엔까 가수로구나’라는 느낌에서 ‘서정적인 노래를 부르는 가수로구나’로 느낌이 바뀐 뒤, 계속 ‘그의 노래를 좀 더 많이 들어보고 싶다’라는 생각을 가지고 있던 차에 그의 대표작 중 하나인 ‘얼음의 세계(氷の世界)’ 발매기념 40주년 특별판을 인터넷을 통해 구입했다.

1973년 발매된 이 앨범은 그의 통산 네 번째 스튜디오 앨범으로 당시 자국 아티스트로는 최초로 일본 대중음악 시장에서 100만 장 이상을 판매한 엄청난 베스트셀러였다고 한다. 이러한 인기의 배경에는 그의 전작이 – 아직 들어보지 못했지만 – 단출하고 소박한 Folk의 분위기였다면 이 앨범에서는 좀 더 많은 악기 동원 등을 통하여 Folk Rock으로 더 확장된 음악세계를 – 그와 동시에 좀 더 대중적인 음악세계 – 선보였기 때문이라고 해석하고 있다. 개인적으로도 이 앨범에는 심플한 포크에서부터 요란스러운 락앤롤, 서정적인 발라드 등 다양한 장르가 – 그러면서도 통일된 톤으로 – 선보이고 있다는 점이 마음에 든다.

수록곡들은 음반을 한 두어 번 들으면 귀에 익숙해질 만큼 재기 넘치는 멜로디로 채워져 있다. 무심한 듯 청량한 보컬은 단박에 ‘이노우에의 목소리구나’하는 느끼게 만든다. 이런 면에서는 또 다른 청량한 목소리의 소유자 오다 카즈마사(小田 和正)와 흡사한 면이 있다. 가사는 ‘1970년대 청춘이라면 이런 생각을 가지고 있었겠구나’하는 생각이 드는 그런 정서가 지배적이다. 건널목, 기차, 도시의 불빛, 얼음, 편지 등 복고풍의 단어들이 가사가 전달하려는 느낌을 강화시키고 있다. 아마도 이노우에는 이 단어들을 통해 70년대 일본을 살아가는 젊은이들이 느꼈을 법한 고독, 초조함, 자기연민 등을 노래하려 했던 것 같다. 그런 시대정서가 맘에 든다.

Andy McCluskey의 Unknown Pleasures에 관한 사연

OMD의 Andy McCluskey가 좋아하는 앨범 들에 관한 이야기 중 Joy DivisionUnknown Pleasures에 관한 사연을 번역하여 올린다

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Glasvegas의 첫 앨범 이전에, Unknown Pleasures는 역사상 가장 위대한 락 앨범이었다. 내 아들은 열다섯 살에 락음악에 빠져 들었는데 불행하게도 그는 미국에 살고 있었고 – 그의 엄마와 나는 헤어졌다 – 우리는 몇 년 전에 여행을 하기도 했다. 그는 위대한 Nirvana를 사랑했었고 전혀 문제될 게 없었다. 그러나 그는 또한 내게 Linkin Park와 Limp Bizkit을 들려주었고 나는 “왜?”라고 물었고 그는 “베이스와 드럼이 좋아요”라고 대답했다. 그래서 나는 그의 USB 케이블을 내 폰에 꽂아 Unknown Pleasures를 틀고서는 “이제부터 30년 전에 연주된 드럼과 베이스를 들을 텐데, 다 듣고 네가 빌어먹을 Limp Bizkit을 다시 듣고 싶다고 말한다면 난 너를 차 밖으로 걷어차 쫒아내겠다”라고 말했다. 그래서 그는 드럼부터 시작했는데 – 왜냐하면 그는 Stephen Morris를 정말 좋아했기 때문에 – Unknown Pleasures는 정말 드럼에 관한 모든 것이었다. 그건 당신의 기초적인 록 드러밍과 같지 않다. 그는 균열적인 패턴으로 드럼을 친다. Stephen Morris는 정말로 일종의 원형을 창조했다. 그 다음에 Hook의 베이스다. – 대부분 노래에서 빌어먹을 리드 베이스 기타인 – 이 앨범에서 사실상 Hook의 베이스 연주보다 더 좋은 것은 없다. Barney가 화낸 것이 이상할 것 없다. 왜냐하면 기타는 저 멀리 던져지고 적절하지 않았기 때문이다. 그것은 보컬의 방해가 되었다. – 당신은 드럼과 베이스와 Curtis를 가지고 있다. 그리고 기타는 좌측과 우측에서 약간의 색조만 더할 뿐이다. 내 아들은 베이스 플레이어가 되었다. 그의 아버지가 베이스 주자여서가 아니라 Peter Hook이 너무 빌어먹게 쿨했기 때문이다. 너무 웃긴 게 Hook이 샌디에고에서 출판 싸인 행사를 가졌을 때 아들이 그를 보러 갔었다. James는 “엄마가 당신에게 안부 전해달래요.” 그는 이어나갔다. “네?”, “네. 당신이 엄마가 열일곱 살일 때 Pretty In Pink 시사회에서 그녀를 돌봤다는데요.” 겉으로는 Hook의 얼굴은 창백해졌고 그는 계속했다. “너 내 아들은 아니지 그지?” 그리고 내 아들은 “저는 Andy McCluskey의 아들이에요. 당신이 Pretty In Pink 시사회에서 그가 인터뷰를 하는 동안에 그 여자친구를 돌봤다는 이야기에요.” 그리고 Hook는 대답했다. “오 예!! 휴!!” [미친 듯이 웃었다]

[원문 보기]

Night and Day

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Joe Jackson의 1982년 작 Night and Day는 영국 뮤지션이었던 그가 뉴욕의 문화를 접하고서 느꼈던 바를 음악으로 표현한 작품이라 할 수 있다. 좌측 상단의 마천루의 야경과 하얀 배경에 피아노 앞에 앉아 있는 뮤지션이 대비를 이루는 앨범 커버에서부터 이미 그런 분위기를 느낄 수 있듯이, 조 잭슨에게 있어 뉴욕은 첫 곡 Another World 그대로 “다른 세상”이었다. Chinatown역시 뉴욕의 차이나타운을 헤매는 작가의 모습이 상상이 되는데, 이런 뉴욕에 대한 감회는 이 앨범 최고의 히트곡 Steppin’ Out에서 절정을 이룬다. 뉴욕 거리에서 “반짝이는 빛의 색깔에서 몸을 숨길 수 있는 것”은 없다. 그래서 뮤지션은 “밤으로, 빛으로 들어가자고(steppin’ out into the night, into the light)” 유혹한다. 이 앨범에서 개인적으로 가장 특이하다고 느껴지는 노래는 뉴욕의 게이 문화를 소재로 한 Real Men인데, 오늘날의 관점에 봐서도 상당히 페미니즘적인 관점을 가진 노래라는 점에서 독특하다.. 과연 남자다움이 무엇이냐고 묻는 조 잭슨의 열린 마음이 맘에 든다. 전체적으로는 데뷔 앨범 Look Sharp!가 좀 더 부드러워지고 윤기 있게 변했다는 느낌이 드는 작품이다.